LOS MISERABLES

Los Miserables (Les Misérables).  2012.  Director: Tom Hooper.  Reparto: Hugh Jackman (Jean Valjean); Russell Crow (Javert) y Anne Hathaway (Fantine).

Ya pasó la gran gala del cine, dejando como gran ganadora a mi favorita, Argo.  Sin embargo, queda un sabor agridulce porque la Academia, en una de sus inconcebibles movidas políticas, decidió dejar por fuera a Ben Affleck dentro de la categoría de mejor director, la cual finalmente terminó llevándose Ang Lee, gracias a Life Of Pi, película que ya reseñé anteriormente, la cual era una majestuosa puesta en escena gracias a los recursos técnicos manejados, pero que no alcanzaba el dinamismo que sí impuso Argo y que, a excepción de los OScar, fue reconocida por todos los premios que se entregaron al cine en este principio de año.

Pero bueno, siguiendo con lo que más nos incumbe, y al parecer con lo que más les ha gustado, les cuento que desde hace ya varios años, tengo por costumbre ir el día de la entrega de los Oscar a ver una de las cintas que esté con amplias opciones en la carrera por la estatuilla dorada.  En esta ocasión, fui a ver Los Miserables, la versión musical de Tom Hooper, quien en años anteriores, se llevó todos los honores gracias a "El Discurso del Rey", una película semi biográfica sobre el Rey Jorge VI de Inglaterra y su lucha contra el tartamudeo que le impedía asumir su rol como máximo jerárca de la monarquía más antigua del planeta. 

Tom Hooper, amante del cine de época, nos quiso traer ahora su versión de "Los Miserables", escrita por Victor Hugo en 1862 y considerada una de las más grandes obras de la literatura universal del Siglo XIX.  Esta vez contando con un abultado presupuesto y con un reparto de luminarias de las más altas esferas hollywoodenses, concibiendo esta historia a partir del formato de musical, del cual debo decir, soy un fanático consumado, hasta el punto de haber sido un bailarín frustrado en mi adolescencia, donde dí mis pimeros pinitos en el grupo de danzas de mi colegio en conjunto con un colegio de niñas.

La historia, ya llevada en varias ocasiones al cine, en esta versión protagonizada por Hugh Jackman en el estelar de Jean Valjean, arranca con él mismo, siendo torturado a causa de una condena impuesta, supuestamente, de forma injusta, estando bajo el yugo de Javert, un policía incorruptible, quien vive por cumplir su deber, a costa de lo que sea, situación que demuestra que no sólo Jean Valjean es esclavo de la injusticia, sino que Javert es esclavo de la justicia, al no poder discernir sobre lo que es justo y no lo es, sólo por el cumplimiento irrestricto de la Ley. 

Los diálogos adornados con las melodías de las voces de los protagonistas, enmarcan el inicio de lo que sería una gran persecución.  Por un lado Jean Valjean, quien busca la redención por un pasado que si bien es oscuro, guarda algo de nobleza en su ser; por el otro Javert, quien apegado a sus principios, lleva encima la condena de ser el verdugo de una ley que no lo deja dormir y que se convierte en su propia prisión durante décadas, intentando hacer justicia.

Años después, Jean Valjean, tras un episodio de epifanía en un templo, se convierte en un reconocido hombre de política y negocios, acumulando una fama de benefactor y bondadoso, quien por azares de la vida, se cruza en el camino de Fantine, una mujer presa de la desgracia, del abuso y la crueldad humana en su máxima expresión, impresionantemente llevada a escena por una irreconocible Anne Hathaway, quien al parecer, leyó los cánones de los premios y cambió su increíble belleza, por una apariencia desaliñada, una fealdad provocada por la miserableza de la condición humana, llevada a la desgracia por lo acontecimientos, pero teniendo siempre presente, que su único objetivo es el bienestar de su hija: Cosette.

En uno de los momentos que más se recordarán de esta cinta, Fantine interpreta una canción que sonó hace poco tiempo gracias a un show de talentos británico y que gracias a Anne Hathaway, retumbará en las mentes y los corazones de los espectadores.  "I dreamed a dream", interpreta una derrumbada Fantine, olvidada por el aliento de Dios, moribunda y sin esperanzas, hace que las lágrimas broten por doquier y la lástima y la vergüenza, sean sentimientos que se encuentran al indagar las razones por las cuales un ser humano, puede llegar hasta lo más ínfimo de su propia humanidad.

La historia continúa, aunque ya con un ritmo menos interesante que al inicio de la película.  Jean Valjean, cumpliendo una promesa, se hace cargo de Cosette, tomándola como su propia hija, además de llevar a cuestas un delirio de persecusión a causa del mordaz Javert, quien por el cumplimiento de su deber, no descansará hasta que se haga justicia.

Así sigue la trama, teniendo como escenario el periodo post-revolucionario, con algunos destellos de belleza en los montajes realizados durante este episodio, pero sin ser del todo trascendentes, lo que hace que prácticamente una hora de la pleícula, luzca prácticamente innecesario, aunque debo admitir que terminé tarareando cada una de las canciones que se iban entonando.

Esta adaptación musical de la obra de Victor Hugo, pasa a ser una buena versión de esta novela del Siglo XIX, sin embargo, tal como lo mencioné anteriormente, puede resultar un poco tediosa para algunos espectadores que no están acostumbrados a los musicales o a historias cuya trama, se denota alargada y un poco sin sentido en algunos apartes.  Vale anotar que el esfuerzo por llevar a la gran pantalla esta historia, mereció para Anne Hathaway su primer Oscar, y puedo afirmar con seguridad, que fue gracias a una escena, en la que canta "I dreamed a dream", por la que se alzó con el tan anhelado premio, puesto que su aparición, no aborda más de 20 minutos de la historia, pero son veinte minutos que serán gratamente recordados por los amantes del cine.

Hay personajes que se pierden ante la majestuosidad de otros, personajes que resultan de relleno en la historia y que quizás tomaron tiempos que pudieron ser aprovechados para ahondar aún más en los miserables, en todos nosotros, que de una u otra forma, labramos nuestro propio destino y en algún momento de la vida, nos ponemos tras los barrotes de las circunstancias, que nos hacen presos de nuestros más oscuros deseos o nuestras más bajas intenciones.

"Tuve un sueño, en que mi vida era tan diferente a este infierno que estoy viviendo"

Calificación: 7.5/10

Nota: Pongan mucha atención a los acercamientos que les hacen a los protagonistas en los momentos que interpretan sus líneas más dramáticas, lo que hace ver aún más de cerca su labor histriónica.

DJANGO SIN CADENAS

Django sin cadenas (Django Unchained).  2012.  Director:  Quentin Tarantino.  Reparto: Jamie Foxx (Django); Chirtoph Waltz (Dr. King Schultz) y Leonardo Di Caprio (Calvin Candie).

En estos días, he venido sufriendo lo que se podría denominar, "un déficit de testosterona", debido a que, de regalo de navidad, recibí la noticia que voy a ser papá, motivo por el cual, mi masculinidad se ha reducido a una ternura indescriptible y sumamente extraña en mi personalidad, razón por la cual, este fin de semana decidí aplicarme una dósis extrema de hombría, en dos aplicaciones de sumo poder.

Mi primera inyección vino de las manos del agente John McLane (Bruce Willis), quien acompañado en esta ocasión por su hijo, hace de las suyas en Rusia, trayendo a la actualidad un conflicto de antaño como lo fue la guerra fría entre Estados Unidos y la antigua Unión Soviética.  Dando alcance a todos los recursos del cine de acción, el viejo agente McLane, hace honor al título de esta saga, así como su hijo, pues por más golpes, balazos y caídas de alturas inimaginables, es absolutamente Duro de Matar, pues nada hace mella en su humanidad, salvo la típica cortada sobre su ceja, que lo ha acompañado en las 5 entregas de esta saga.

Admito que en esta ocasión me dejé llevar por la nostalgia y una pequeña debilidad que tengo por esta saga, de la cual he sido asiduo seguidor desde la primera entrega, aunque en esta reseña, no hablaré de esta película, pues con el primer párrafo se recoge todo lo que hay que decir, sólo vale agregar, que es una película mala, apta para fanáticos de John McLane y ya.

Hoy, después de una ausencia debido a lo que inicialmente comenté, voy a hablar sobre "Django sin cadenas", la nueva película de Quentin Tarantino, que tanto ha dado qué hablar en los últimos días, no sólo por su calidad sino por ser invitada de honor en esta época de reconocimientos a lo mejor del celuloide, aunque vale decir que Quentin Tarantino, es asiduo asistente a todo tipo de premiaciones, gracias a la majestuosidad con la que lleva sus ideas a la pantalla grande.

El Dr. King Schultz, un aparente dentista, en medio de una fría y solitaria noche, se topa de frente con un par de traficantes de esclavos, quienes llevan un cargamento para ser subastado.  Son consultados por el Dr. Schultz respecto a un esclavo que posiblemente pueda ayudarle y por quien hace una oferte para hacerse a su propiedad.  Es así que da con Django, quien cuenta con la información que el Dr. necesita y que desde entonces será su más fiel compañero en su verdadero trabajo como caza recompensas.

Después de una característica lluvia de sangre y escenas que rayan con el género gore, Django y el Dr. Schultz emprenden su camino, el cual depende única y exclusivamente del paraje donde se encuentre la próxima presa de esta pareja, quienes a través de sus andanzas, van encontrando demasiadas similitudes que los hacen perfectos el uno al otro, para la labor que desempeñan.

En medio de un descanso, Django le confiesa al Dr. Schultz que la verdadera razón para seguir con vida es la de recuperar a su esposa, Broomhilda, quien después de un intento de fuga entre los dos, resultó capturada y sometida a los vejámenes propios de sus desalmados amos, quienes son aborrecidos a muerte por estos dos personajes.



Una vez que han terminado con la cacería de sus presas, deciden que es momento de iniciar con la venganza y recuperar a Brommhilda de las manos de un temido ser, Calvin Candie, dueño de una extensa propiedad en el Estado de Mississippi, reconocido por su fanatismo a las peleas de mandingos, o mejor dicho, a las luchas de esclavos, además de sus excentricidades.

Es en este punto donde la película halla su éxtasis y desenboca todas las tramas, por más absurdas que puedan considerarse, para dar con un desenlace, que aunque pueda ser esperado, no deja de sorprender, no sólo por su crudeza, sino por el ingenio propio de los planes que tejen sus personajes para conseguir su fin.

Varias cosas deja para la historia del cine "Django sin cadenas", tal como lo han hecho las últimas películas de Tarantino.  Este director, ha intentado con éxito, rescatar o reposicionar géneros cinematográficos casi olvidados o echados a perder, como lo son las películas de artes marciales, el género bélico y en esta ocasión, el "spaghetti western", género que tuvo su auge entre 1960 y 1970, que se caracterizaba por desarrollarse en escenarios sucios, llenos de peronajes carentes de toda moral y de clichés propios del viejo oeste estadounidense, tan llevado al cine a mitad del siglo pasado.

Otros objetos invaluables de esta cinta son sus personajes, tal como ocurre en toda obra de Tarantino, son excelentemente concebidos, con situaciones características que los hacen individualmente muy ricos en su estructura y en su desempeño en la historia, empezando por el Dr. Schultz, interpretado por un actor que gracias a este director, hizo su entrada triunfal a la meca del cine con "Bastardos sin Gloria", y que en esta ocasión, basándose en su característica genialidad, intelectualidad y psicorigidez germánica, Christoph Waltz, nos trae un antihéroe bastante avanzado para su época, pues lleva consigo no sólo a un caza recompensas algo diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, sino que lleva consigo a un revolucionario para la época, un anti esclavista que vive intensamente el dolor de los esclavos que son continuamente torturados y a quienes él considera seres libres, por encima de todos los prejuicios de la época.

Otros personajes inolvidables que nos deja esta historia, son los interpretados por Leonardo Di Caprio y Samuel L. Jackson, quienes lucen sencillamente geniales en su posición de villanos, y no cualquier villano, villanos a quienes la maldad les brota por cada uno de sus poros, despertando un odio gigantesco en todos los que se cruzan con ellos.  Di Caprio como el villano amanerado, lleno de excentricidades, y con una aparente bondad que es sólo la máscara para un ser que acumula en su humanidad todos los males que alguien pudiera tener; y Jackson, como el fiel sirviente de Di Caprio, llegando a un punto de genialidad que sólo Tarantino le puede extraer, en esta ocasión interpretando a un anciano mañoso, traicionero, que odia a los de su propia extirpe y que debido a su longevidad, recurre a un cinismo característico en aquellos que han perdido toda noción de humanidad.

Con estos ingredientes, además de la riqueza de una banda sonora, como todas las bandas sonoras de Tarantino, hacen de esta película una joya del cine, que a mi parecer, supera, no por mucho, lo logrado en su anterior film "Bastardos sin gloria", donde recuriendo a la ficción histórica, hace dde la segunda guerra mundial, el espacio perfecto para llevar a cabo su versión de la guerra.

Un historia espectacularmente escrita, que a pesar de su larga duración, no deja descansar por un minuto al espectador, haciéndolo pasar de la admiración al completo asco, la cual además se presenta como un manifiesto en contra de las prácticas esclavistas, mostrando la inmensa ignorancia de una sociedad que inmersa en sus estúpidas costumbres, llevó a cabo uno de los peores episodios de la historia, teniendo como mensaje para entonces profético, como lo dice Monsieur Candie en un momento de la película, "Django es uno entre diez mil, pero aseguro que en el futuro, habrá muchos más como él, hombres brillantes".

"Billy Crash:  D-jango, you black son of a bitch!
Django: The "D" is silent, hillbilly."

Esta cita la hice en el idioma original porque me parece que suena mejor así.

Calificación: 9/10

Nota 1: Esta película se encuentra nominada a 5 premios Óscar, entre ellos el de mejor película y el que seguro se llevará, como mejor actor de reparto para Chritoph Waltz.

Nota 2: Como un juego de memoria, en una escena se cruzan dos Djangos, el nuevo interpretado por Jamie Foxx y el de antaño, llevado al cine por Franco Nero en los auténticos "spaghetti western" de los 70.

LO IMPOSIBLE

Lo imposible (The imposible).  2012.  Director: Juan Antonio Bayona.  Reparto: Naomi Watts (Maria) y Ewan McGregor (Henry).

Esta película ha hecho bastante ruido en estos días, debido a que muchos quedamos impresionados y bastante emocionados con los avances que se mostraban como antesala en otras películas, las cuales mostraban escenas conmovedoras y desgarradoras de un evento que ni siquiera la magia del cine puede dimensionar.  Una tragedia que superó ampliamente a la ficción y en 2004, horrorizó a toda la humanidad mostrando el impresionante poder de la naturaleza convertido en un tsunami de inimaginables proporciones.

Con esta antesala, mi esposa y yo, en una tradición de navidad y año nuevo, nos dispusimos a ver esta película, con altas expectativas y buscando emocionarnos tanto como lo hicimos con los avances, que de por sí, tuvieron la buena estrategia de invitar al espectador a presenciar un retrato de la tragedia, pero sin caer en lo que caen muchas películas que es, muestran lo mejor de la película en los avances y cuando uno va a las salas supremamente emocionado a verlas, lo único que le queda es una decepción inmensa pues todo lo que vio en los avances, es lo único bueno que tenía la película.

Vale la pena decir que soy un gran seguidor de las películas estilo documental, donde la ficción y la realidad se entrelazan, dando la oportunidad de conocer detalles de sucesos de la historia, que para muchos sólo se descubren a través de este medio, aunque en ocasiones, el afán por llevar historias encasilladas en los cánones del marketing, llevan a tergiversar la realidad o inclusive a falsearla por completo, quedando en completo ridículo.

En esta ocasión, el director español Juan Antonio Bayona, reconocido en el mundo del cine por habernos traido un nuevo clásico del cine de suspenso - terror español de la última década como lo fue El orfanato, que relataba la historia de una mujer que tenía que resolver el misterio de la pérdida de su hijo en medio de un orfanato donde ella habitó siendo niña y que albergaba un secreto que la trama va descubriendo, no sin antes provocar más de un susto.  Esta vez retrata el drama real vivido por una familia española, que en la película es británica, quienes disfrutando de sus vacaciones en las costas de Tailandia, son testigos y víctimas de primera mano de una de las catástrofes naturales más terribles de la historia de la humanidad que arrasó con miles de vidas, debido a un tsunami de proporciones apocalípticas que golpeó sin piedad la zona mencionada, arrasando con todo a su paso.

María (Watts) y Henry (McGregor), junto con sus tres hijos, van de vacaciones a una zona paradisiáca de las costas de Tailandia, para disfrutar de los hermosos paisajes de un hotel de lujo que les brinda todas las comodidades y les sirve de escenario para disfrutar la llegada de la navidad, en una de las escenas más hermosas de la película, adornada con temas tradicionales de la cultura de ese país.

Tal como lo relata la historia, el 26 de diciembre, en momentos donde varios turistas y habitantes de las costas tailandesas, pasaban el guayabo de las fiestas navideñas, súbitamente, un estruendo irrumpió con su calma, un ruido que nadie entendía, empezó a ser acompañado por la escena dantesca de gigantes palmeras derribándose como torres de naipes y de pronto, una ola gigante golpea el hotel donde los protagonistas con su famialia habitaban, en una imagen tan real, que nostrots como espectadores no podíamos hacer más que observar con la boca abierta y con un sentimiento de inferioridad al ver el poder de la naturaleza en toda su expresión.

Una vez ha pasado el terror de el inmenso oleaje, aparece lo peor que estaba por venir, una zona desolada, un camposanto gigantesco, donde el olor de la muerte rondaba por doquier y la vida brillaba por su ausencia.  Pero intempestivamente, obviando el dolor que la albergaba, surge María (Watts) de lo profundo, buscando desesperadamente a su familia, pensando lo peor debido a la escena que tenía ante sus ojos.

Es en este punto donde arranca la primera historia de la tragedia, cuando María se encuentra con su hijo mayor, quien da por sentado la pérdida del resto de su familia, pero que en medio de tan terrible hecho, buscan salvar sus vidas, más aún cuando con cada paso que dan en busca de ayuda, surgen las terribles heridas que en el cuerpo de la mujer ha dejado el tsunami, heridas que son mostradas con tal crudeza que más de un espectador no duda en tapar sus ojos para evitar ver tan terrible imagen.

En una segunda historia, aparece Henry junto con sus otros dos hijos, quien aún con la fe en alto, guarda la esperanza de reunir nuevamente a su familia, sacrificando todo lo que tiene, incluyendo la seguridad de sus dos pequeños hijos, quienes al ver el esfuerzo de su papá, olvidan todos sus miedos y se cubren con la valentía necesaria par ayudar a su papá en su tarea.

A pesar de las inmensas pilas de cadáveres que hay a su paso, recorre todos los lugares donde quedaron los sobrevivientes de la tragedia, buscando lo que parece una aguja en un pajar, sin desfallecer por más trágicas que fueran las noticias que por toneladas, incrementaban la tragedia que estaban viviendo y que con el paso de los días, dejaba ver su magnitud con el horror que toda la humanidad por televisión e internet, pudo ser testigo.

Este es un retrato muy bien logrado de la tragedia del tsunami de 2004, llevando a los personajes al límite del dolor y la desesperación, valiéndose de una fotografía muy bien lograda, lleva a las pantallas un hecho, que si bien logra mostrar en gran medida su dimensión, aún guarda miles de historias por contar de sobrevivencia y grandeza humana.

Es una trama dura pero esperanzadora, que si bien, tal como lo dije anteriormente, busca ser un retrato de la tragedia, no pasa de ese punto, pues al tratar de entrelazar las historias, se queda con situaciones básicas de los personajes, tomando como recurso imágenes fuertes de sangre y desgarramiento, que si bien atraen al espectador, no pueden ser usadas como único recurso para contar una historia que tiene muchos más tintes de donde agarrar.

Lo imposible, se percibe más como un documental que una película, que intenta ser las dos cosas pero termina siendo ninguna.  El dolor que encarna Naomi Watts en su personaje, llena de traumatismos al espectador al pensar en el sufrimiento del personaje real, multiplicado por 100 gracias a la magia del cine, llevando a la actriz a extremos de su interpretación, haciendo de esta actuación una de las más importantes de su carrera, situación que no ocurre con McGregor, quien en su papel, se percibe más como un complemento a lo que el director quiso llevar como eje de la trama, que es la historia de María.

"...Ve y ayuda a la gente.  Tú eres bueno en eso."

Calificación: 7 / 10.

Nota: Naomi Watts por su interpretación de María, está nominada al Óscar como mejor actriz protagónica.



Arrancó la temporada grande de reconocimiento al séptimo arte

Entrega de los Globos de Oro

Con la entrega de los globos de oro, otorgados por la prensa extranjera especializada en cine y televisión, se dio inicio a lo que se podría considerar como la temporada máxima de la industria cinematográfica, puesto que durante estos dos meses (enero y febrero), vendrá una maratón de alfombras rojas, trajes y vestidos elegantes, reconociendo los méritos de todos aquellos que hacen posible que podamos ver en la gran pantalla, nuestros más grandiosos sueños hechos realidad.

Vale la pena decir que durante esta época, también se reconocerá lo más nefasto de la industria cinematográfica, que como era de esperar, tiene a la segunda parte de amanecer, el epílogo de la saga de Crepúsculo, como su máximo protagonista, tal como lo consideraron los premios razzie, quienes años tras año, nos recuerdan que en el cine no todo es bonito o majestuoso, también hay quienes por el afán de obtener ganancias sin observar la calidad del producto, terminan dando como resultado películas tan mediocres como la ya mencionada, que en mi opinión, sólo dejó una generación de espectadores descerebrados y una sensación de que al darle a los jóvenes productos fácilmente digeribles y que además encuentran apoyo en medios, se puede encontrar una mina de oro, bastante redituable para los productores, pero supremamente dañina para el futuro del buen cine, que con tristeza muestra que en salas especializadas, donde se exhibe lo mejor de la filmografía mundial, el público brilla por su ausencia.

Entrando en materia, voy a referirme a los más importante y sorpredente de la noche, sin entrar en detalles de moda o cosas por el estilo, pues este es un blog de cine y no de moda.  En primer lugar, las películas ganadoras.  Argo y Los miserables.  Vale la pena decir que si bien Ben Affleck era uno de mis favoritos en secreto, nunca pensé que pudiera vencer a tres monstruos de la dirección como lo son Ang Lee, Quentin Tarantino y Steven Spielberg, aunque al observar las películas nominadas, sentí que esa podía ser la noche de Affleck, pues como lo dije en entradas anteriores, Argo es una gran producción, con todos los ingredientes para hacerse un clásico instantáneo del séptimo arte, una historia que captura al espectador de principio a fin, mezclando dos campos que históricamente han sido tan afines como lo son la política y el cine, mostrando con gran vrtuosismo uno de los eventos más relevantes en la historia diplomática estadounidense, sin caer en melodramas innecesarios o en relatos exegéticos que terminaran aburriendo al espectador.

Lincoln, que arrancaba como favorita y Una aventura extraordinaria que la seguía en nominaciones, si bien contaban con gran calidad en su cinematografía y en sus actuaciones, nunca dejaron de ser relatos con altibajos, que en ocasiones llegaban al corazón del espectador, pero que debido a sus interminables diálogos y a tramas que no terminan de cerrarse en el transcurso de la película, pasan a ser documentos fílmicos importantes, pero no relevantes.

En cuanto a las películas del género musical comedia, la gran vencedora fue Los miserables, una nueva adaptación del musical tantas veces llevado al cine como a las tablas, que esta vez de la mano de Tom Hooper, el mismo que nos trajo "El discurso del rey", ahora con un presupuesto más abultado, retomó las historias de época, relatando con la mayor fidelidad posible un relato que a estas alturas, podría sonar como una apuesta a ciegas, toda vez que al haber tantas versiones, las comparaciones surgen por doquier, lo que finalmente impone una gran responsabilidad a los realizadores de traer un producto que sea innovador o de una altísima calidad, que haga que sus versiones anteriores, queden deslucidas ante las nuevas, tal como más o menos ocurre en este caso.

En cuanto a los actores, no se podría hablar de muchas sorpresas, por cuanto en las categorías principales, tanto de drama como de comedia, el plato estaba servido para cualquiera, pues en esta ocasión, la competencia estaba muy reñida, aunque no tanto en el caso de mejor actor protagónico en drama.

Daniel Day-Lewis, considerado por muchos como el mejor actor vivo, gracias no sólo a sus interpretaciones magistrales, sino a su preparación y técnica actoral, que podría decirse, raya con la perfección, en esta ocasión fue merecedor del globo de oro como mejor actor en una película dramática, galardón que para muchos es vaticinio para lo que va a suceder en la entrega de los Oscar.  Protagonista de estas galas Day-Lewis se llevó el globo de oro por Lincoln, donde encarna a este presidente estadounidense, impregnándolo con su perfección, a tal punto que en algunas publicaciones tenían que aclarar que quien aparecía en la foto era el actor y no el propio presidente.

Hugh Jackman, el recordado Wolverine, quien de vez en cuando se pone serio y sale de sus papeles de acción, en esta ocasión fue merecedor del Globo gracias a su interpretación de Jean Valjean, el rol principal de la película Les Misérables, a la cual le imprimió, aparte de su fortaleza física, una calidad histriónica sin igual, donde el canto era parte fundamental de su interpretación, dando vida a una de las mejores versiones de Jean Valjean que se ha llevado a la pantalla grande.

En la parte femenina, Jessica Chastain, un personaje relativamente nuevo en el mundo del cine, pero que sin embargo, ha impuesto un toque novedoso y versatil a Hollywood, se impuso en la categoría como mejor actriz en una película dramática, gracias a su interpretación como una agente de la inteligencia estadounidense, que busca incansablemente dar con el paradero de Osama Bin Laden en la película "Zero Dark Thirty", dando así un toque intimista y hasta controversial, a uno d elo hechos que más han marcado los últimos años en este país del norte del continente americano.

Como mejor actriz en una película de comedia o musical, la galardonada fue Jennifer Lawrence, una actriz que ha temprana edad, ya ha hecho el ruido necesario en la meca del cine, para ser tenida en cuenta para todo tipo de papeles, más aún cuando a su corta, pero prolífica carrera, le añade un premio de esta categoría, el cual seguramente la catapultará como una de las actrice favoritas tanto de los directores de cine, como del público en general.  Su papel en Silver Linings Playbook, película que con muchas ansias espero ver pronto en nuestro país, aparte de hacerla ver más sexy que en sus anteriores papeles, denotó que la exigencia actoral para interpretar a una mujer con desordenes mentales, como le gusta a la academia, no le quedaba grande en lo absoluto, y que por el contrario, sobrepasó este reto con todas las de la ley.

En los roles de reparto, fueron premiados dos de mis actores favoritos.  Por un lado Anne Hathaway, por Les Misérables, quien impresionó, no sólo por su interpretación, sino por el cambio radical que hizo de sí misma, impresionando por una delgadez extrema y una insípida cabellera, que en esta ocasión hace lo que a muchas actrices les ha funcionado para merecer un oscar.  Apeló a sacrificar su belleza por el papel.  Dando notas desgarradoras a su interpretación, lo cual, muy seguramente, le traerá muchas más recompensas.

Otro de mis actores favorites y que fue aglardonado en esta ocasión, fue Christoph Waltz, quien de la mano de Quentin Tarantino, ha llegado a consagrarse como unos de los actores con mayor carácter en la meca del cine, pasando de ser uno de los villanos más odiados, y amado por mí, en "Bastardos sin Gloria", a ser el bueno la historia en "Django Desencadenado", donde pasa a ser un caza recompensas que busca justicia dentro de su forma muy singular de hacerlo.





Una aventura extraordinaria

Una aventura extraordinaria (life of pi).  2012.  Director: Ang Lee.  Reparto: Suraj Sharma (Pi Patel); Irrfan Kahn (Pi Patel adulto) y Gérard Depardieu (Cocinero).

De antemano, me disculpo por mi prolongada ausencia, puesto que durante ya un mes, no pude ponerlos al tanto de las novedades de la cartelera cinematográfica, desatendiendo la cita que nos reúne en torno a este bello arte.  Motivos laborales y de salud me impidieron contarles sobre lo que estaba ocurriendo en el mundo del cine.  Sin embargo, espero poder adelantarlos lo que más pueda en cuanto a lo que se puede encontrar en cartelera y como compensación a mi demora, estaré haciendo comentarios especiales en relación a la fiesta más importante para todos los cinéfilos, la cual poco a poco se avecina, teniendo como antesala los SAG, los globos de oro y los BAFTA.  Hablo nada más y nada menos que de los OSCAR, que el día de hoy dieron a conocer a sus nominados.

Ang Lee, recordado director asiático, quien fue adoptado por Hollywood a finales del siglo pasado, después de una prolongada ausencia, nos presenta una película que si bien, nos muestra un viaje intimista por los límites de lo humano, se desliga un poco de sus dramas emocionales que tanto lo caracterizaban, además de maravillarnos visualmente con recursos que gracias a la tecnología de la tercera dimensión, hacen de esta experiencia algo singular, llevándonos a puntos que nunca habíamos conocido anteriormente con otras películas en 3d, que valga decirlo, a pesar de contadas excepciones, no han aportado gran cosa al tesoro fílmico mundial.

En esta ocasión, Lee nos lleva a un mundo lleno de magia y fantasía, que no es nada alejado a la realidad, sino que recurre al misticismo propio de la India, donde las muestras propias de su cultura, como lo son la danza, el arte y sus propias tradiciones, hacen de este relato algo surreal, por demás que la historia, en sí mismo desborda en magia y fantasía.  Trayendo como eje de la trama a un muchacho cuyo nombre no deja de ser algo gracioso: Piscine, quien por varias razones termina siendo llamado Pi.  Hecho que de por sí, ya empieza a poner ingredientes interesantes a la historia.

Pi, vive en una familia común de la India, la cual, gracias al padre, realiza una actividad poco común, pero bastante llamativa, ellos viven y trabajan en un zoológico, habitado por cientos de criaturas, que van desde las más minúsculas hasta las más majestuosas, y que cuentan con historias propias en su gran mayoría, las cuales por un hecho que marca el nudo de la historia, se entrelazarán de manera trágica y fantástica.

Por motivos económicos, el padre de Pi les hace un anuncio que cambiará sus vidas: tendrán que marcharse de la India hacia Canadá para vender los animales del zoológico y así poder salvar sus finanzas.  La transacción tendrá como particularidad el titánico transporte de los animales de un lugar a otro, el cual, embarcará a la familia de Pi en un largo viaje mar adentro, quedando a merced de las inclemencias que el gran océano les interpone.

Justo cuando van a llegar a costas filipinas a tomar un breve receso en su travesía, una fuerte tormenta se cruza en su camino, alterando todos los planes y sumiendo en una gran catástrofe a Pi y los demás tripulantes del barco, dejando como única alternativa, tomar un bote salvavidas y ponerse a la deriva con tal de salvar la vida, opción que casi por obligación, tomó Pi una vez comprendió que poco o nada podía hacer por su familia, además de una fuerza adicional que daban algunos animales que al igual que el protagonista, buscaban salvar su vida.

Una vez ha pasado la tempestad, en medio de la tristeza al ver todo lo que se ha perdido, Pi se percata que no se encuentra sólo en su naufragio, pues cuatro compañeros accidentales lo acompañan: una cebra, una hiena, un orangután y un gigantesco tigre de bengala llamado Richard Parker, debido a anécdotas que se irán conociendo con el desarrollo de la historia, la cual en este momento, empieza a mostrar su punto más alto y el que finalmente, será la base para retener la atención del espectador.

En su intento por subsistir en medio de la nada, el instinto se apodera de todos los tripulantes, tanto de los animales como de Pi, quienes al intentar sobrevivir, deben enfrentarse unos a otros, así como con ellos mismos, pues la convivencia en medio de la falta de todo lo necesario para vivir bien, impone grandes retos a nivel mental y físico, más aún cuando al final, en el naufragio sólo quedan dos tripulantes: Richard Parker y Pi, quienes harán hasta lo imposible para salir airosos de tan inesperada aventura.

En medio de circunstancias inesperadas, imágenes maravillosas y una explosión de fantasía e imaginación, continua el relato de Pi ya adulto, quien cuenta su historia a un escritor, quien encuentra en ella la fuente de inspiración para su próximo libro y además sirve como telón de fondo para ir conociendo más y más sobre las peripecias de Pi y Richard Parker en su viaje por salvar sus vidas y por conocer hasta el más recóndito límite de su instinto, haciéndolos más parecidos de lo que puedan imaginar.

Esta película funciona y de gran forma hasta cierto punto, por cuanto hay ocasiones en que el relato se funde, aunque no sea posible de creer, en lo monótono y en lo previsible, más aún cuando al relato se le mezclan aspectos que le quitan algo de la espectacularidad que en ocasiones podemos ver, más aún cuando, tal como lo dije anteriormente, con la ayuda del 3d, encontramos imágenes que inmediatamente, buscan habitación en los rincones donde las memorias se hacen recuerdos y empiezan a jugar roles importantes en los sueños.

Tal como se espera de este tipo de producción, es una película larga, que en ocasiones puede tornarse en tediosa para algunos espectadores, y en ocasiones, puede perder la atención en su trama, pero que con su belleza cinematográfica y un rol bastante entregado por parte del protagonista, nos hace sentir parte del naufragio, entendido éste, como el estar perdidos en medio de un mar de expectativas, pero sin tener un rumbo definido, además de estar acompañado, no por animales, sino por sentimientos que al encontrarse unos con otros, se puede precipitar en luchas sin fin.

"Gracias Vishnu por presentarme a Cristo"

Calificación: 7.5/10

Nota: Esta película se encuentra nominada a 11 premios de la academia, incluyendo mejor película y mejor director para Ang Lee.

El origen de los guardianes

El origen de los guardianes (Rise of the guardians).  2012.  Director: Peter Ramsey.  Reparto: Chris Pine (Jack Frost); Alec Baldwin (Norte); Jude Law (Pitch) y Hugh Jackman (Conejo de Pascua).

El género infantil ha sido para el cine lo que la primaria ha sido para todos nosotros.  Es a través de historias fantásticas, que muchos hemos sido absorbidos por este mundo mágico.  Como lo dije en entradas anteriores, mi primera vez en el lugar donde todos los sueños se hacen realidad, fue con Dumbo, la tragicómica historia de un pequeño elefante que debido a sus diferencias es rechazado, pero que finalmente son esas diferencias las que lo hacen maravilloso.

El paso del tiempo nos ha mostrado lo que se podría llamar una evolución del cine animado, pues pasamos de la animación hecha a mano, a una era donde prácticamente todo el cine animado, es digitalizado, y el ingenio de dibujantes con lapiz y papel en mano, ha pasado al saber de diagramadores y expertos en computación, que cada vez maravillana más y más a los nuevos espectadores que llegan a ser parte de este mundo.

El debate sobre la animación antigua y la nueva lo daré en otra entrada.  Por ahora voy con los guardianes.  El origen de los guardianes, traida por los mismos que nos entregaron "Cómo entrenar a tu dragón", una película animada que recomiendo ver, muestra lo que podría ser el Olimpo de los dueños de la imaginación de todos los niños.  En ese Olimpo encontramos a Norte, más conocido como Papá Noél o Santa, quien surge como el lider de este "escuadrón de la justicia imaginaria"; luego encontramos al Conejo de Pascua, un aguerrido y sobrehormonado conejo, con porte de súper héroe, pero lleno de miedos y prejuicios; el guardián de los sueños, que obviamente es somnoliento, pero quien finalmente juega un rol esencial en la película; y la parte femenina del escuadrón llega con La Hada de los Dientes.  Cada uno de ellos acompañado por un séquito de ayudantes, que van desde los famosos duendes, hasta Yetis.

Sin embargo, no son estos personajes quienes llevan el hilo de la trama de esta cinta.  Desde el inicio, surge un adolescente, algo despabilado, con una crisis de identidad que lo lleva constantemente a preguntarse quién es y que debido a su poder, es bastante juguetón y travieso.  Se trata de Jack Frost, o el muñeco de nieve, ser que para nosotros los colombianos es poco conocido debido a la falta de estaciones; quien durante siglos se ha dedicado a hacer travesuras con el clima, pero siempre temiendo a no ser reconocido o no pasar de ser un simple rumor.

El antagonista de esta historia, cuyo nombre es Pitch, pasaría desapercibido, sin embargo, al mencionar su nombre más coloquial, todos los que fuimos niños nos llenamos de miedo, pues Pitch es nada más y nada menos que El Coco, aquél ser sepulcral que nadie ha visto pero al que todos temen o temimos, cuyo malévolo plan, pondrá en jaque a todos los guardianes, pues su objetivo es llenar de miedo y desesperanza a los niños del mundo y de este modo, hacer olvidar a los guardianes para él pasar a ser la imagen recurrente en el imaginario de los niños.

Teniendo como temor común el olvido y el desconocimiento, Jack Frost y Pitch, o mejor, El Coco, se dan cuenta que son sus similitudes las que los pueden dividir en una ardua lucha o los pueden juntar para un mismo fin.  Justo cuando los planes van de maravilla, sólo hay algo que puede parar tal monstruosidad y es la esperanza de los niños, algo que si se toma como analogía del mundo real, es el factor esencial por el cual los niños de estos tiempos han dejado de creer y de soñar, puesto que ya nada en este mundo es capaz de maravillarlos.

Como todas las películas infantiles, busca dejar un mensaje en cada uno de los asistentes, si bien el esfuerzo por dejar este mensaje es mínimo, todo indica que queda bien implantado en la mente y los corazones, especialmente de los niños.  Gracias a un trabajo de diseño bien estructurado, creando mundos individuales para cada uno de llos guardianes, fácilmente nos transporta a ese mundo de fantasía donde aún podíamos contemplar las cosas sencillas de la vida con algo de asombro e imaginación.

Es una historia sencilla, sin mayores sobresaltos, podría sonar trillada en algunos apartes, pero finalmente sale avante en su desarrollo, con pequeñas dósis de humor, con un gran contexto de reflexión, "El origen de los guardianes", es una película infantil, que si bien no logra calar en el gusto de todos, o se acomoda en el pedestal de películas infantiles que han marcado la historia del cine, es una buena excusa para aprovechar una tarde de domingo con la familia y buscar la forma de volver a ser niños por unos minutos.

Si bien no es decepcionante, tampoco es inolvidable, aunque podría sonar a excusa, la gran mayoría de películas animadas que han salido a la luz este año, han sido mediocres y de muy baja calidad, quedándose en el chiste fácil, y al parecer, teniendo como objetivo a los más más pequeños del hogar, quienes, valga la aclaración, no son tan fáciles de convencer, como lo fuimos nosotros en nuestros tiernos años, y ahora, buscan contenidos más arriesgados y en ocasiones, historias más construidas de las que hemos estado viendo.



"Es nuestra labor proteger a los niños del mundo.  Durante el tiempo que ellos crean en nosotros, los protegermeos con nuestras propias vidas."

Calificación: 6.5/10



Buscando un amigo para el fin del mundo

Buscando un amigo para el fin del mundo (Seeking a friend for the of the world).  2012.  Directora: Lorene Scafaria.  Reparto: Steve Carell (Dodge); Keira Knightley (Penny) y Aleister (Sorry).

Hace unos meses, cuando me enteré de la existencia de esta película, me llamó bastante la atención por varias razones: La primera. Tener como protagonistas a dos actores tan disímiles como lo son Steve Carell Y Keira Knightley en lo que aparenta ser una comedia de toqúe romántico y teniendo como escenario el apocalipsis, sonaba a mezcla perfecta para lo indescifrable.  Segundo.  En algunas reseñas que había leído, se mencionaba con buenos argumentos que la banda sonora era magnífica y pues, una de las partes que me puede hacer amar u odiar una película es la banda sonora, así que todo indicaba que podría estar ante una nueva favorita.  Y tercero.  Tengo cierta debilidad por las comedias románticas.

En fin, curiosamente, justo cuando ví esta película, faltaban 21 días para que se cumpliera la fecha en que los Mayas (supuestamente) predijeron que el mundo se acabaría, así que junto con mi esposa, entablamos antes de entrar a la sala, un pequeño debate acerca de qué haríamos si supiéramos que tan sólo faltan tres semanas para que se acabe el mundo.  Igualmente a los lectores les pregunto: Qué harían ustedes si tan sólo faltaran tres semanas para que se acabe el mundo?  Bueno, vuelvo a lo de curiosamente, puesto que la película inicia justo con esa cuenta regresiva, faltan 21 días para que se acabe el mundo a causa de la inevitable colisión entre un asteroide llamado "Matilda" y nuestro planeta, teniendo a Dodge (Carell) escuchando en las noticias que la última esperanza que tenía la humanidad había fracasado en su intento por detener el asteroide, de tal modo que el final es inminente.

Si la proximidad del fin del fin no fuera suficiente, justo cuando Dodge escucha esa noticia, su esposa, que está sentada junto a él en el carro, sale corriendo inesperadamente sin rumbo conocido, dejando al protagonista, no sólo a merced de una incandecente bola de fuego, sino ante algo mucho peor, la soledad, algo a lo que el protagonista teme mucho más que a la propia muerte, y que sin remedio, se presenta tan letal como la propia idea de que en 21 días, todo lo que conoce dejará de existir.

Con la pena a cuestas por la partida de su esposa, Dodge, en el rol que ya está siendo marca registrada por parte de Steve Carell, asume la tragedia con conformismo, incolume ante lo que pueda pasar, simplemente anhelando que todo acabe de una sola vez.  Es aquí donde Penny (Knightley), hace su aparición.  Tan repentinamente como la partida de su esposa, ella surge como un rayo de luz en la vida de Dodge, quien en medio de su quietud, ve cómo de un momento a otro, lo que parecía un triste final, podía verse como un nuevo inicio.  Un empezar de ceros, donde dos personalidades completamente disímiles, se vuleven una sola con el paso de la historia.

Penny y Dodge, debido a una anécdota que involucra una vecina olvidadiza y un correo sin entregar durante varios meses, emprenden la búsqueda de un viejo amor del protagonista, quien en una de las tantas cartas sin leer, le confiesa que fue el amor de su vida y que nunca lo olvidó, situación que por una lado, motiva a Dodge para iniciar la búsqueda, y a Penny, debido al remordimiento, a ser su compañera en esta travesía que termina dando indicios de road movie a una pleícula que, al parecer, no termina de encontrar su identidad.

Entre ires y venires, la aparición de personajes llenos de locura, aquella locura que les da saber que sólo les queda un par de días por vivir, va sazonando este bocado, para algunos difícil de tragar, y para otros un poco falto de sabor, puesto que un escenario como el fin de nuestros días, no termina de ser bien aprovechado por los realizadores, llegando al facilisimo de enmarcar todo en un romance que desde el inicio de la película es obvio y que no deja matices de sorpresa, puesto que el desarrollo se hace ajustado a lo que todo esectador sabe que va a pasar.

Al principio de la película, tuve un cierto affaire con los protagonistas, ya que están dotados de características muy peculiares que podrían hacerlos memeorables, como la adicción de Dodge por los jarabes para la tos y la hipersomnia de Penny, la cual le genera un miedo adicional que es quedarse dormida cuando "Matilda", azote con toda su fuerza el planeta y acabe con toda su existencia.  Además, olvidé decir que otro ingrediete hace parte de esta historia, el cual podría rescatarla, la aprición de un adorable perro, bautizado pro Dodge con el nombre de "Sorry", debido a que en un fallido intento de suicidio, despierta con él a su lado y una nota sobre su pecho que solamente dice, Sorry!!!

Pese a este cúmulo de singularidades (adicciones graciosas, enfermedades curiosas, un adorable perro), "Buscando un amigo para el fin del mundo", no termina de convencer.  Al parecer Steve Carell se encasilló al momento de salir del cine de comedia, para terminar siendo un tipo sin expresiones, perfecto para lucir como un hombre promedio en cualquier guión.  Keira Knightley, no luce en su papel de neo-hippie, pues ella, al igual que Carell, también ha quedado encasillada en el papel de heroína literaria y mujer de época, el cual, a diferencia de Carell, sí le queda y de muy buena forma (Espero con ansias verla dándole vida a un clásico como Anna Karenina).

"Buscando un amigo para el fin del mundo", quedó en un intento de comedia romántica, road movie, drama, sin llegar a ser alguna de las anteriores.  De hecho, el escenario apocalíptico, tan en boca de mucha gente en estos días, puede ser mejor utilizado al momento de ponerlo como telón de fondo de una comedia romántica o un drama de tinte romántico, pues llevando la película un poco más a su interpretación que a su forma, la teoría de que el amor que conozca faltando escasos días para el fin del mundo, será el amor de mi vida, suena interesante y resulta de cierto modo aprovechable para futuras historias.

"Esta no es la maldita Arca de Noé Diane!  Este es el Titanic!  Y no hay botes salvavida a la vista.

Calificación:  5/10.